Yim Maline et Svay Sareth
Le 5 novembre, nous présenterons pour la première fois les œuvres de Yim Maline et Svay Sareth à The Gallerist. Ces deux artistes cambodgiens ont développé des pratiques profondément marquées par leurs parcours entre le Cambodge et la France. Travaillant dans plusieurs disciplines et reconnus à l’échelle internationale, ils explorent chacun, à leur manière, la mémoire, les territoires et les bouleversements sociaux.
YIM MALINE - Une Blessure Qui Ne Peut Pas Crier
La nature occupe une place centrale dans l'œuvre de Yim Maline. À travers ses dessins et ses sculptures, elle reconstitue des paysages qui semblent à la fois organiques et instables, évoquant des processus de disparition, de décomposition et de régénération. Ses sculptures font souvent appel à des matériaux délicats ou atypiques, notamment du papier de soie, du fil de fer, des tissus de récupération et des techniques mixtes.
Dans Une Blessure Qui Ne Peut Crier, Maline Yim présente la nature comme un corps vivant ; un corps qui grandit, se transforme, souffre et tente sans cesse de se régénérer. Des formes entrelacées évoquant des cellules, des racines, des fibres, des fleurs, des graines et des organes internes créent un paysage suspendu entre le corps humain et le monde naturel. Ce corps souffre, mais il ne peut ni crier ni faire entendre sa souffrance. Seules ses cicatrices, ses fractures et ses signes de dégradation révèlent ce qu’il endure. Dans l’œuvre de Maline, ces signes deviennent une manière d’écouter. Le titre de l’exposition ajoute à ces images une dimension particulièrement émouvante. Une Blessure Qui Ne Peut Crier évoque une souffrance sans voix. Plutôt que de dépeindre la transformation de l’environnement avec un certain recul, l’artiste établit un lien intime entre celle-ci et le corps. Les atteintes portées au monde naturel apparaissent alors comme indissociables de notre propre vulnérabilité.
Pourtant, cette œuvre évoque également la résilience. La présence de graines, de racines et de formes naissantes suggère que la régénération reste possible, même au sein d’un paysage marqué par les blessures.
“Si Maline entend défendre la préservation de la nature, ce fantasme restitué n’est pas seulement un hommage. Elle rend compte à chaque fois de la menace qui plane sur cette exubérance. Elle n’oublie pas qu’à côté de la nature ré-enchentée par l'imaginaire, il y a toujours la possibilité de la perte, même dans ses dessins les plus joyeux et éclatants. La nature coexiste avec la possibilité de sa destruction.”
- Yves Zlotowski
A propos de Yim Maline
Yim Maline est une artiste contemporaine cambodgienne de premier plan dont la pratique multidisciplinaire explore la mémoire, la perte, les transformations environnementales et les répercussions durables de l’histoire d’après-guerre du Cambodge. Née à Battambang en 1982, Maline a étudié à l'école d'art Phare Ponleu Selpak de 1995 à 2003. Elle a ensuite poursuivi ses études en France à l'École des Beaux-Arts de Beauvais et à l'École Supérieure des Beaux-Arts de Caen, où elle a obtenu une licence en arts plastiques et un Diplôme National d'Art Plastiques en 2010. Son parcours international comprend également des résidences au Bose Pacia Transparent Studio à New York dans le cadre du programme « IN RESIDENCE » de Season of Cambodia en 2013, au Vermont Studio Center aux États-Unis en 2015, à la Sylt Foundation à Johannesburg en 2016, au S-AIR à Sapporo en 2017 et à l'UNESCO Art Camp en Andorre en 2016.Outre sa pratique artistique, Maline est associée au SM Art Center de Siem Reap, où elle participe à l'éducation artistique des enfants et encourage les jeunes générations à réfléchir à leur rapport à l'avenir du Cambodge et à son environnement.
SVAY SARETH - Les Têtes en Décompositions
Svay Sareth transforme la mémoire en un langage critique et souvent provocateur qui s'interroge sur la manière dont les expériences individuelles deviennent une histoire collective et sur la façon dont se construisent les récits officiels. À travers ses œuvres, l'artiste crée une tension entre l'artisanat et le conflit, examinant ainsi les différentes façons dont l'histoire peut être monumentalisée, dissimulée ou transformée en spectacle.
Dans Les Têtes Décomposées, les sculptures souples de Sareth représentant des Asuras, des Apsaras, des Garudas et des ailes mêlent l’imagerie culturelle cambodgienne à des motifs de camouflage et à des références politiques contemporaines. Ces figures, autrefois associées à la force, à l’immortalité et au pouvoir absolu, sont reconstituées à partir d’un assortiment de textiles, de tissus de camouflage et de rembourrage en coton. Elles se transforment en têtes souples, légères et aux couleurs vives, qui ressemblent à des jouets surdimensionnés. Chaque visage incarne un état émotionnel différent : la fierté, la colère, la haine, la jalousie, l’incertitude ou la somnolence. Le camouflage révèle et dissimule à la fois, nous laissant avec une question persistante : que reste-t-il du pouvoir lorsque l’humanité en a été retirée ?
“Le camouflage incarne pour Sareth les tentatives de survie des hommes et des femmes qui luttent pour eux-mêmes. Car chez lui, c’est l’être humain qui est menacé par la disproportion et qui doit sans cesse se confronter à une telle éventualité. [...] Cet esprit de résistance qui nourrit les créations de Sareth se fait toujours accompagné d’une prise en compte de la précarité des êtres et des choses.”
- Yves Zlotowski
A propos de Svay Sareth
Né à Battambang en 1972, Svay Sareth a étudié les beaux-arts à l’École des Beaux-Arts de Beauvais et à l’École Régionale Supérieure des Beaux-Arts de Caen, en France, où il a obtenu le Diplôme National Supérieur d’Études des Arts Plastiques en 2009. Sa pratique multidisciplinaire, qui englobe la sculpture, l’installation, le dessin, la vidéo et la performance de longue durée, puise ses racines dans ses expériences personnelles de la guerre, du déplacement, de la survie et de la résistance. Sareth transforme la mémoire en un langage critique et souvent provocateur qui s'interroge sur la manière dont les expériences individuelles deviennent une histoire collective et sur la façon dont se construisent les récits officiels. À travers ses œuvres, il crée une tension entre l'artisanat et le conflit, examinant ainsi les différentes façons dont l'histoire peut être monumentalisée, dissimulée ou transformée en spectacle. En 2016, Svay Sareth a reçu à la fois le « Prudential Eye Award » du meilleur artiste émergent dans le domaine de la sculpture et le prix du meilleur artiste émergent toutes catégories confondues .Ses œuvres font partie des collections des plus grands musées, notamment celles du Musée d'art de Singapour, de la National Gallery of Victoria, du MAIIAM - Musée d'art contemporain et du SM - Musée d'art contemporain.
